墨方画廊正在展出艺术家董冰心的个展“烟波蓝”，这是继去年她参与群展“四原色”后的首次个展。本次对谈围绕“烟波蓝”的创作脉络、故乡记忆的视觉转化，和艺术创作中的私人经验与公共对话展开（以下访谈中，墨方简称M，董冰心简称D）。

M：首先说说展览名字“烟波蓝”的由来？这个极具诗意的色彩意象是如何与你的创作产生连接的？

D：烟波蓝既是一个具体的色彩意向，同时又是指对某段记忆、情感的回望。

这个名字，来自于这次展出的人物系列中一件作品的名字。这件作品在最开始构思的时候就是先有的名字《你的眼里有海，烟波蓝》。这是小说《烟波蓝》里的一句话，这本小说是我在温州美校读初中的时候在图书室里翻到的一本书，那个时候非常流行读这些，我也是跟风的那个。内容早就记不清了，但这句话不知道为什么一直记到现在。画完这张画之后，在孔夫子上淘到了一本旧的，翻这本书的时候，泛黄的纸和散发出来的霉味，有一瞬间好像又把我拉回到了温州美校二楼的图书室，那种感觉既熟悉又遥远。

这种感觉让我感到一种孤独、恍惚、甚至是割裂。在生活里，我并不清楚这些复杂的感觉具体源自于哪里。但我清晰地可以知道，这种感觉会因为某一个物件或者是某一个瞬间被触发，并持续一段时间。通常在这种时候，也是灵感最多的时候，在这期间我就会疯狂地寻找一切我能捕捉到的画面。作为画画的人，我也非常擅长于捕捉这些画面。这可能就是这些意象与我的创作产生连接的可能吧。

M：去年你参加了墨方群展“四原色”，到现在的个展“烟波蓝”，这一年的心理历程如何？这两个展览之间有怎样的内在联系？

D：这一年最大的变化和挑战就是身份的转变，我呆在学校的时间很久，24年之前一直都是一个学生。习惯了学生这个身份，要从学生身份中抽离出来要花很长的时间。在这个过程中，会产生很多不适应、甚至会为这种不适应感到焦虑、无力。每个阶段的心理状态也不一样，从理想，到焦虑，到纠结，到趋于冷静，再到后来的回望。这些不同阶段的感受帮助我构成了我的画面，也因此有了新想法创作了新的系列作品。

这些结果的形成不是故意设计的，因为我一直希望我的作品是自然而然地从我的身体里生发出来。它源自于各个不同阶段，我对这个世界不同的感受，不好都没有关系，至少是真实的，真实对于我来说很重要。

M：家乡的意象贯穿在你的作品中，温州对于你而言，似乎已超越了单纯的“故乡”概念，更像是一套独特的“地方语法”——高脚碗作为嫁妆符号、方言谐音里的吉祥寓意，都成为创作的隐性骨架。在将这些极具私人记忆与地域属性的元素转化为视觉语言时，如何平衡“在地性”与“公共性”，让非温州语境的观众也能共情作品背后的情感重量？

D：我虽然是土生土长的温州人，但是15岁就来了北京读书，所以对于温州的感觉和印象大多都是上高中以前，或者是夏天和过年。

《家宴》系列的作品和温州的关系最直接，我很喜欢这个系列。从查资料开始，到画草图，再到作品完成，最后在展厅里呈现与观众交流，每一步都让我有很深的归属感和一种与温州深度绑定、连接的感觉。

“温州人”这三个字，在我离开温州的很长一段时间里，仅是关于身份的一种标签，小时候我并不喜欢这个称呼，大家对温州人是有“偏见”的，这是一个带引号的偏见，并不是说对温州人的评价不好，而是大家对温州人的认识是片面的。但是这个系列的作品，让我可以探索以故乡作为叙事方法，寻找被记忆的与被遗忘的一些关于温州的故事，去展现一个不被人认识的温州。

在构思这个系列作品的时候，我并不想削弱它的地方特色。而是想通过放大这一特点，试图营造一场仪式，让这些被独特形式包装下的器物，最大可能地去散发它的魅力。

我发现展厅里很多观众，他们看了一遍画后，看完墙上的文字，会再去看一遍，第二遍会慢很多。我相信观众的视角是有转变的。另一些我可以交流的观众，在听到“嫁妆”这个词之后，表现出来的先是惊讶，然后才是好奇。这批观众是先有的观念，他们观展速度会比前一批更慢。或许这场独属于温州女性生命中最特殊的一场仪式，通过我的画面，给非温州语境的观众讲述的是一个关于爱、家族记忆、传承与希望的故事。

M：我们注意到，“家宴系列”中高脚碗的红色并非一成不变，而是在紫调与橙调、深沉与明亮之间流转。这是否可以被理解为，你在用色彩模拟记忆的滤镜？即不同时间、不同心境下，我们对同一事物的回忆会呈现出截然不同的色调，你是否在用这种有意识的色彩变化，来探讨记忆本身的主观性与非确定性？

D：每支碗确实有一些微妙的色调变化，因为记忆有不确定性。这种记忆里的颜色，在一次次回想中不断被重塑，被赋予了新的色调。

在温州语境中，高脚碗的红色本身就蕴含着“红红火火、步步高升”的寓意。当我把这个稳固的地方符号，通过色彩注入关于记忆的思考的时候，实际上就完成了一种转化，关于我们如何与自己的过去相处的问题。

M：高脚碗系列中，器物、食物与谐音寓意形成了三重叙事：碗是“稳”的象征，鱼鲞是“响亮”，鸭舌是“赚钱”，这种将日常物转化为文化符号的创作逻辑很有意思。你在选择这些食物题材时，是更看重其民俗意义，还是个人生活体验中的情感联结？比如年夜饭的使用场景，是否是比谐音寓意更核心的创作起点？

D：创作的起点其实是我爸妈。比起年夜饭的使用场景，年夜饭前准备的场景更加触动我：我爸非常小心的，双手，从盒子里把高脚碗拿出来，洗干净，并确保放的地方是绝对的安全，虽然这个东西并不贵；我妈提前一天就开始让全家人一起构思年夜饭的菜，写下来。除夕当天，一大早就拿着小纸条去菜场买最新鲜的菜。一整天都在忙活，然后非常仔细地摆盘，最后还要给胡萝卜片改刀成小花才行。这些忙碌的场景，吵吵闹闹，但是非常温馨。也是我不在温州的时候经常会回想起来的场景，高脚碗是参与这场活动的关键一员。

食物是个出发点，选择食物的时候，我希望是和温州的饮食习惯、生活方式是一致的。其中可能含有家乡的味道、妈妈的味道，连接着我。

M：在你的人物系列中，许多画面都像被定格的电影瞬间，充满故事感却无明确结局。你是有意拒绝为故事画上句号，以此来保持情感的悬置状态吗？你是否希望通过这种方式，让每个观众都能依据自身的记忆与情感，参与到叙事的最终完成之中？D：这与之前我们讨论“色彩作为记忆滤镜”类似。人物系列作品是我根据现实世界虚设的场景，是将无数个模糊、碎片化、甚至是被后期情感重新编辑过的瞬间构成的，不是写生。那当我把草稿，转化色稿，变成工笔稿，再转移到绢上，仅仅是画的过程，就经历了很长的时间，更何况这些场景发生在生活中的某些瞬间。我能记录的，不是一个完整的故事，而是关于这个故事的感觉。

所以我选择用“定格瞬间”的叙事方法，形成开放式的故事结局，让故事在画框里继续。并邀请观众成为故事的参与者。我相信不同的人，成长经历和感受不一样，面对同一张画时感觉是不一样的。同一个人在不同阶段，面对同一张画时的感觉也是不一样的。我希望把画面里故事的叙事接口，留给观众，参与到这场叙事中去。

M：如果将你近期创作的作品（如《你的眼里有海，烟波蓝》）与早期的创作（如《夕阳不属于任何人》）并置，我们会看到较为清晰的风格演变，是什么关键因素推动了这种演变？

D：很多人都说我现在的画面相较之前更放松、自在了。但是我画的时候是没有刻意设计的，可能是现在不那么跟自己较劲了。

以前对自己的画面非常严格，会执着于把每一个色块都画得完美，画出去一点都不行。画之前也会先有个预设，过程是向结果前进的。现在画画就放松了很多，虽然也是先有个整体的规划，但不会把自己束缚在这个结果里。并会尝试通过一些手段，去破坏原本完整的画面。

M：“烟波蓝”可以看作是你艺术生涯中的一个阶段性总结。站在这个节点上，你将如何规划接下来的创作路径？是倾向于开拓新的主题、材料或表现形式，去探索未知的领域；还是选择继续深耕“家乡”这一母题，将其中的视觉语言与情感表达推向更极致的境地？

D：我愿意尝试更多新的可能，无论是题材、叙事方式还是画面效果，也一定会继续深挖我的家乡。“家乡”这一母题对我来说很大，很难。高脚碗是一个很小很小的切入口。关于温州的很多东西，我希望可以去学习更多更深层次的内容，而不仅仅停留于表面。我想构建的，不是一个能在地图上、社交媒体上能找到的“温州”，而是属于一个现代人，尤其是像我一样在外游子的“精神原乡”。